GABRIEL OLIVARES, 2014

Gabriel Olivares es un albaceteño de 39 años, licenciado en comunicación audiovisual y dirección cinematográfica, que comienza en el año 1995 y 1996, dirigiendo y produciendo cortometrajes, presentándolos a Festivales, como suele ser el modo de meter la cabeza en este mundillo, nos visita en Valencia, donde viene a presentar su último trabajo, “Última edición“, una pieza teatral escrita con Eduardo Galán, de la que también asume la dirección.

LOVE4MUSICALS.- ¿Cómo consigues en menos de diez años saltar a una producción como la de “Muere otro dia” (Die another day, 2002), una película de enorme presupuesto, de la serie James Bond. ¿Cual era tu trabajo en la película?.

GABRIEL OLIVARES.- Verás, lo de “Muere otro día” estaba en el equipo de dirección español. Aunque no solía trabajar mucho en equipos de dirección, porque tenía mi carrera como cortometrajista, se me daba bastante bien mover a la figuración y en esa película, había que convertir todo el paseo marítimo de Cádiz, en el malecón de La Habana y allí estuve casi un mes, convirtiendo a los gaditanos en cubanos.

Escena de “Die another day” en cuyo rodaje intervino Gabriel Olivares

L4M.- ¿Te gustó la experiencia?.

GO.- Me encantó, porque iba con una función determinada que era encargarme, junto al equipo de dirección español de  la figuración, para lograr ese aspecto de La Habana que queríamos conseguir. Además una aventura así con Halle Berry, con Pierce Brosnan, para mi que por aquel entonces tendría 25 o 26 años….. fue genial.

L4M.- Surge tu vena de autor y escribes en el 2006 “El día del padre”, con el que tienes un buen éxito y parece ser el principio de una bonita amistad con el teatro y aunque no abandonas totalmente el cine, ¿qué te hace encauzarte más hacia el mundo del teatro?.

GO.- Desde que era un niño mi vocación fue el cine. De hecho comencé a hacer mis primeros cortometrajes a los 10 u 11 años, en súper 8, cuando el súper 8 estaba ya casi extinto, en ese aspecto fui un niño muy precoz, pero cuando entré en el instituto, sin dejar de hacer mis cortometrajes con mis hermanas y mis amigos, enseguida empecé a hacer teatro y es que desde bien joven fueron para mi como dos caras de la misma moneda. De hecho mi empresa con la que sigo produciendo lleva el título del primer trabajo que hice que era cine y teatro mezclado y se llamaba “El Reló”.

Te diré que en aquel trabajo ya había una pantalla en la que se proyectaba una película y unos actores que entraban y salían de la pantalla. Con esto quiero  decirte que cine y teatro desde siempre los he tenido muy relacionados, son dos medios diferentes, pero que en mi caso, tienen más vínculos en común que siempre he hecho el paso del uno al otro de una forma muy natural. Eso quería decirte, que mi empresa desde que la monté hace casi quince años, lleva el título de “El Reló Producciones Cinematográficas y Teatrales” y es que siempre he tenido muy claras estas dos facetas en mi vida, cuando era amateur, y ahora como profesional….

L4M.- Te atreves con los clásicos y adaptas actualizándolas “La importancia de llamarse Ernesto” o “El enfermo imaginario”. Oscar Wilde y Moliére. ¿No crees que es un riesgo apostar por el teatro clásico, que posiblemente provoque cierto rechazo entre las nuevas generaciones?. ¿Habría que venderlo de otra manera?. Titulos como “Sin paga, nadie paga” o “La función por hacer” en vez de “Aquí no paga nadie” de Darío Fo o “Seis personajes en busca de autor” de Pirandello….

GO.- Casualmente estos dos títulos que me dices han sido dos de los grandes éxitos que he tenido en los últimos años, tanto el “Ernesto” que estuvo casi tres años en cartel y con una gira brutal y “El enfermo imaginario”. Ahí tuvo mucho que ver Moliére, no yo y por supuesto Quique SanFrancisco, al que he dirigido en tres ocasiones. Hay que ser justos.

Cuando me he enfrentado a esos clásicos, siempre lo he hecho con todo el respeto y sólo he tratado de crear un vínculo con el momento actual para llegar al público de hoy, porque espero hacer teatro claramente comercial y de mucha calidad, buscando darles una vuelta, pero en ese sentido, esas dos funciones salieron, creo, especialmente bien y llegaron al público que es lo que pretendemos cuando hacemos teatro.

L4M.- ¿Cómo te llegó el proyecto de dirigir “Arte“?. ¿Qué te hizo embarcarte en una obra que ya habia sido dirigida en España y con mucho éxito?.

GO.- Lo de “Arte” fue algo que me llegó de rebote porque esa función era la que estaba haciendo Luis Merlo y por distintos motivos tuvieron que cancelar la gira. Entonces me llamó Pedro Larrañaga para preguntarme si antes de cancelar las bolos y tirar por la borda toda la producción que ya estaba montada, si me atrevería a dirigir esa función con Quique San Francisco de protagonista.

Montar un “Arte” con Quique San Francisco, Javi Martín y Vicente Romero, que es uno de los mejores actores de España, después de los Flotats, Darín… me dije: “Vamos a hacer un “Arte” desde otro punto de vista diferente”.

L4M.- ¿No temías las comparaciones?. ¿Qué crees que pudiste aportar a la obra?.

GO.- Si hubiese tenido miedo a las comparaciones no lo hubiese hecho. Por otro lado, ten en cuenta que era una función en la que me venía dada la escenografía, cuando uno de los trabajos del director es inventarse donde ocurre la acción y el hecho de que el espacio escénico me viniera dado era otro reto y con todo ello, reconozco que disfruté mucho del trabajo.

L4M.- En el 2010 tomas las riendas de “Los monólogos de la vagina” una obra interpretada por mujeres, hablando de sus intimidades sexuales, que reconozco que es una obra muy famosa que se ha visto en Londres y New York pero que no conozco.

GO.- Lástima que no la vieras porque estuvo aquí en Valencia, con mucho éxito, en el recién inaugurado Teatro Flumen, donde estuvimos como mes y medio. Estaban Rebeca Valls y Marta Belenguer en el reparto, actrices valencianas de pro y fue toda una sorpresa.

L4M.- ¿Es una buena idea que esta obra que trata de confidencias femeninas, la dirija un hombre?. Desconozco si en Broadway también la dirigió un hombre. ¿Te sentiste incómodo en algún momento en la dirección?. ¿Cómo fue la reacción del público?. Supongo que con ese título nadie puede entrar por error al teatro.

GO.- Pues no lo sé pero en nuestro caso fue bastante diferente del montaje original, en el que se representaba casi como una conferencia con tres mujeres, sentadas en tres bancos, recitando los monólogos y la verdad es que nuestro espectáculo tenía algo como de viaje.

Aunque en este caso lo dirigió un hombre, el texto está basado en declaraciones de cientos de mujeres  y no hay ningún hombre en el reparto, pero es que cuando trabajo me gusta crear procesos de colaboración con los intérpretes y la verdad es que fue un trabajo muy interesante.

L4M.- Está claro que nadie que entrase a ver “Los monólogos de la vagina” podría escandalizarse por el contenido, ya que el título es bastante explícito, pero si que podía inducir a error al público tu otro proyecto del 2010 “Avenue Q“, un musical con marionetas, pero no apto para público infantil y que lo advertíais bien clarito en la publicidad. Reconozco que la adaptación de las letras, como las actuaciones y manipulación de los muñecos fue excelente. Tanto Leo Rivera como Isabel Malavia estaban estupendos en todos los papeles en los que se desdoblaban. Aún recuerdo el disgusto de Malavia cuando la entrevisté en Valencia, porque estaba enamorada de la obra y de sus muñecos. ¿Cómo te atreviste con un musical?.

GO.- En este caso, yo estuve viviendo un año en Nueva York hará cuatro o cinco años. Vi el musical allí y le dije a Pedro (Larrañaga) que comprase los derechos del musical, porque era un musical pequeño, alternativo y compramos los derechos, pero mi papel en la obra es de co-productor, porque lo dirigió David Ottone de Yllana.

reparto español de “Avenue Q”

Ese año nos llevamos el Max al mejor musical y todo, pero no terminó de ser un gran éxito de público. La verdad es que nunca se sabe cómo acertar.

L4M.- ¿Crees que hay posibilidades de que vuelva a estrenarse?.

GO.- No, no. Un musical supone mucho riesgo económico y para “Avenue Q”, el ciclo ya acabó.

L4M.- ¿Es “Burundanga” tu mayor éxito hasta la fecha?.

GO.- Sin duda, porque sigue en cartel y no se ve el final del túnel, lo cual me alegra mucho que haya sido con éste, porque se trata de un autor español, Jordi Galcerán, con un tema tan difícil como el del terrorismo, con un reparto sin grandes cabeceras  de cartel, o sea, que hicimos todo lo que se supone que no se debe de hacer con una obra de teatro y ahí la tienes, tres años en cartel y sigue….

L4M.- Soy megafan de los textos de Jordi. Recuerdo que en la rueda de prensa de “El crédito” en Madrid comentaba que cuando entrega una obra le decía al director: “Ahí la tienes. La dejo en tus manos y yo estoy aquí, pero piensa que soy un autor muerto al que no se puede acudir, ahora es labor tuya”.

GO.- Respeto a Jordi un montón, pero te doy fé de que es así. La función que podías leer cuando nos la dio Jordi es la misma, pero siempre surgen cosas en los ensayos y las funciones y Jordi entiende que el texto es un organismo vivo y tienes que dejar  que se exprese.

L4M.- ¿Viste la versión que estrenaron de la obra en Barcelona?.

GO.- No tuve la ocasión de ir a verla. Estuvo en cartel unos dos meses y creo que no terminó de funcionar tan bien como la versión en castellano. Misterios del teatro. 

L4M.- Ah, no sabía. ¡Qué fuerte!.

GO.- Creo que uno de los aciertos de la función fue convertirla en una especia de sitcom. Recuerdo que me preguntaba “¿Cómo hacemos que el público se trague esto, sin que se sienta ofendido?… ¿cómo se puede hacer una comedia con un tema así? y de repente un día se me ocurrió pensar qué pasaría si en “Friends” que es una comedia blanca, que le gusta a todo el mundo, se metieran unos terroristas. ¿Qué pasaría?.

Fue a partir de esa idea tan tonta que empezamos a trabajar y la función tomó otro aire. Si te fijas el decorado de “Burundanga” es el de un plató de una serie de televisión, la música es también como una sintonía de una sitcom, en algún momento había risas enlatadas, pero las quité porque había tantas en el patio de butacas, que no hacían falta.

L4M.- ¿A qué atribuyes su éxito tan salvaje?.

Jordi Galcerán con el reparto de “Burundanga”

GO.- Hay varios factores. Para empezar el texto de Galcerán que habría que ponerlo en lo más alto de la pirámide y luego al reparto, a la dirección y quizá a que el público estaba necesitado de poder reírse de una cosa así. Cuando leí el texto y mientras montaba la función, que lo hice en un tiempo récord de dos semanas y media, no sabes la de risas que me daba en el proceso de ensayos. Eran risas higiénicas y aunque me cuestionaba si la gente lo entendería o no, lo que tenía claro es que nunca me había reído de esa manera con estos temas y si debía ser un termómetro de lo que sintiese el patio de butacas, la gente se lo iba a pasar en grande y parece que así ha sido.

L4M.- ¿Has pensado montar una compañía paralela para que lleve “Burundanga” de gira o no saldrá hasta agotar la estancia en Madrid?.

GO.- Creo que todo lo que pueda aguantar en Madrid es bueno para la obra y aún le queda cuerda para rato. Un año más seguro, o más.

L4M.- ¿Crees que es bueno lo de publicitarla como “2, 3, 4 años en Madrid”?.

GO.- Por supuesto. Espero durar lo mismo que “Toc, toc” que ya está entrando en su sexto año.

decorado y escena de “Burundanga”

L4M.- Es que ahora “El crédito” la última de Galcerán está reventando en la preventa de Madrid y “El método Gronholm” también estuvo mucho tiempo en cartel…

GO.- Pero mira, “Burundanga” ya ha superado al “método Gronholm” que estuvo dos temporadas y media en cartel y ésta ya lleva tres.

L4M.- Bueno, tendremos que esperar en provincias a que nos lleguen los éxitos, o hacer turismo cultural a la capital. Dando un repaso a la cartelera de Madrid, veo que en este momento tienes cuatro obras en cartel “Burundanga”, “Una boda feliz”, “La caja” y “Una semana nada más”, además estás comenzando la gira de “Ultima edición” de la que también eres autor. No serás de los que dicen que hay crisis en el teatro…

Gabriel Olivares con el reparto de “Una boda feliz”

GO.- Crisis hay y habrá siempre, pero la verdad es que yo no debo quejarme.

L4M.- ¿Cual es la receta para trabajar tanto y dar en la diana del éxito?.

GO.- La receta es trabajar mucho y lo de la diana del éxito me lo preguntan mucho y no lo sé, porque tengo obras que han triunfado más, pero hay otras que no, mira “Avenue Q” por ejemplo.

L4M.- ¿Consideras que “Avenue Q” fue un fracaso?. ¿Cuánto tiempo estuvo en cartel?.

GO.- No en ningún caso. Estar un año en cartel, llevarte el Max, no lo podemos considerar un fracaso. Quizás no fue el éxito que la función se mereció pero nos dio otras satisfacciones. 

Gabriel Olivares con el reparto de “Venecia bajo la nieve” otro trabajo dirigido por él

L4M.- Los profesionales del mundo del espectáculo habéis alzado la voz una y mil veces contra la abusiva subida del IVA y la cancelación de subvenciones al teatro. Hay algo que podamos hacer el público por nuestro lado, para luchar contra esta medida que es un cáncer para la cultura?.

GO.- Creo que ya se ha dicho todo y tantas veces. Es que es un absurdo, porque mi la cultura es un bien de primera necesidad.  Alguna vez pagaremos esto, porque es una animalada lo que se está haciendo. No quiero pensar dentro de diez años en esta generación que ahora son niños o adolescentes, que se están educando sin ir al cine o ir al teatro… ¡buf!

Mira lo que pasa en los países de nuestro entorno que tienen un IVA súper reducido, no normal, súper bajo.

L4M.- He leido que tienes una especie de taller de improvisación con actores. Háblame del metodo Suzuki. Qué crees que aportó el Actor’s Studio, el método Stanislawki y en qué difiere este otro método.

GO.- Cuando estuve en Nueva York que te comentaba que vi “Avenue Q”, conocí la Sity Company, que dirige Ann Bogart, que para mi es una de las grandes directoras de nuestro tiempo y una de las grandes del teatro, a nivel de Stanislawski, Grotowski, Meyerhold y es una mujer que se crió teatralmente en el ambiente de Nueva York de los años setenta y uso dos herramientas que estaban por esa época en las vanguardias, pero que ella les dio la vuelta y las unificó.

Una es los puntos de vista escénicos, que es un entrenamiento para actores y una herramienta de de creación de movimiento basada en el tiempo y el espacio. Nació del mundo de la danza en los años setenta y por otro lado, el método de Tadashi Suzuki, un director japonés que es un entrenamiento muy riguroso con influencias del ballet, las artes marciales, el teatro griego, el flamenco. Ann Bogart comenzó a trabajar con estas dos disciplinas fundando la Sity Company. Yo he tenido la suerte de haberme formado con ellos en los últimos años.

Todo esto es lo que estoy intentando aplicar aquí, buscando maneras de acercarme al teatro desde la colaboración, la investigación, el rigor, el entrenamiento…. porque no concibo que un bailarín tiene que hacer barra todos los días de su vida como bailarín, un músico tiene que practicar todos los días haciendo escalas y un actor no tiene que estar sometido, a una disciplina de entrenamiento diaria. Es algo que no concibo.

L4M.- Ja ja ja.

GO.- No, no es cosa de risa. Te lo digo completamente en serio.

Gabriel Olivares en la presentación de “Última edición” con el reparto de actores

L4M.- No, es que no sabía dónde querías llegar y me has recordado a mi profesor de yoga que decía que la práctica hace maestros y que no puedes ir al Conservatorio de Música a que te vendan cuatro años de piano, tienes que sentarte y practicar una y otra vez y otra vez. Es algo que nadie puede hacer por ti.

GO.- Es que este entrenamiento es cuerpo-mente. Es físico y mental, porque las musas no van a venirte a ver porque sí. Creo firmemente en el entrenamiento, casi como forma y filosofía de vida. De hecho gran parte del día me ocupo en entrenar a actores con los que luego trabajo o no. En estos dos últimos años, tengo un local en el Barrio de Urgel de Madrid, o sea que está en las afueras de la ciudad, de forma que hay que hacer el esfuerzo de llegar hasta donde tengo el taller y de allí ha salido “La caja” como primer espectáculo.

Ahora mismo estoy con tres espectáculos que nacen de este taller y esos sí que son espectáculos desde la investigación y la creación. Por otro lado, el esfuerzo que estoy intentando hacer es en el teatro comercial, aplicar algunas de éstas técnicas y es que el entrenamiento es muy espectacular y aún no hemos empezado a recoger frutos, pero sé que éste es un viaje apasionante pero largo.

“La caja” es un espectáculo de pequeño formato, pero que se ha montado desde estas herramientas. Hay una cosa que se esconde en esta filosofía, sobre todo los puntos de vista y es que hasta ahora, el texto y su análisis era lo que te dictaba todo a la hora de crear un espectáculo, el movimiento, puesta de escena, creación de personajes, las motivaciones psicológicas de los personajes…. pero con los puntos de vista, hay otras maneras de enfrentarte a la creación de espectáculos y la verdad es que estoy fascinado. Es apasionante.

Creo que ahora estamos como plantando unas semillas que espero que en unos años de repente empiece a germinar.

L4M.- ¿Pero en qué consiste lo de los puntos de vista?

GO.- Para que te hagas una idea, cuando monto una escena lo hago sin tener en cuenta lo que dice el texto, creo el movimiento a base de principios basados en relaciones espaciales, relación con el espacio, de repeticiones, de cambios de tempo, hasta que tengo la partitura creada y entonces le pongo el texto. El resultado para mi es un teatro más vivo. Menos ilustrativo de los textos y con significados sorprendentes.

L4M.- ¡Qué fuerte! Yo me preguntaba ¿cómo va a montarlo sin saber de qué va?.

GO.- Pues así. Es como la vida. En la vida podríamos tener esta misma conversación aquí o mientras estamos haciendo footing, ¿sabes?, porque si no al final, lo que consigues son textos demasiado ilustrados. Como dice Ann Bogart “el lenguaje verbal nació de la necesidad, es algo físico, no un hecho, no nació de la psicología”. Por todo eso, cuando veo teatro en el que el texto nace desde otro sitio, que no es el creado por las intenciones psicológicas, para mi es mucho más interesante.

“La caja” se representa con el mismo decorado de “Burundanga”

L4M.- ¿Va a haber gira de “La caja” o no?.

GO.- “La caja” está muy vinculada a los talleres y hasta ahora hemos estado seis meses en el Teatro Lara con el grupo de actores del taller y “La caja” como tal acaba, pero volveré a montar otra versión con nuevos actores del taller. La idea es tener un escaparate, un poco como pasaba en “La katársis del tomatazo” en La Sala Mirador de Madrid, que era un escaparate de la gente que estaba estudiando en la escuela de Cristina Rota.

L4M.- Sí, que trabajas mucho, lo veo. Cuatro obras en cartel en Madrid y una de gira…

GO.- Pues tengo otra también que se llama “Pioneras”, que ha escrito el actor Secun de la Rosa, y está de gira por España con Pepa Aniorte y Goizalde Núñez, dos actrices que estaban en “Los Serrano”, que está yendo bastante bien y en este momento tengo tres proyectos para Marzo: la comedia francesa “Nombres”, otra que se llama “En el baño” que es una producción mía y que es la historia de cinco mujeres metidas en un baño durante una fiesta de cumpleaños y por último “Verónica”, que es una función de terror que se estrenará el 26 de Marzo en el Teatro Lara de Madrid. Ójalá que la podamos traerpronto a Valencia. El  Teatro Talía sería un espacio perfecto para esta función.

L4M.- Aquí vi yo hace bastante tiempo, recién restaurado el teatro “La mujer de negro” y vine con mi sobrino, que saltó dos veces de la butaca. Bueno Gabriel, muchísimas gracias por estos minutos. Ha sido un gustazo descubrir parte de tu forma de trabajo y conocer un poco más por dentro, los recovecos de este mundillo y hasta el día menos pensado, que nos encontremos en uno de tus múltiples montajes.

Paco Dolz para Love4musicals
Teatro Talía, Valencia
09-01-2014